Atsushi Suwa

Nacido en 1967 en Hokkaido, Atsushi Suwa trabaja alrededor del cuerpo humano, generalmente, en series que afectan a la belleza femenina, al envejecimiento humano o al deleite de las calidades de este a través de una tenue luz.
Su pintura, bastante más sometida al dibujo que al cuerpo pictórico, bebe de un aspecto arcaico, envejecido en tonos de luminosidad más que del cromatismo, de matices grises.
Se centra principalmete en la exploración del realismo como una manera de volver a examinar el origen de la pintura, y se interesó también en profundidad por los artistas y performances de Butoh (danza japonesa), Kazuo Ohono y Yoshiro Ohno, sobre lo que basa una investigación en profundidad,lo que le permite analizar al sujeto de cerca y visualizar su historia personal y su filosofía así como sus pinturas.
Sus obras reflejan quietud y silencio, horizontalidad y verticalidad, todos extremadamente matizados.

Julio Gonzalez

Julio Gonzalez(1976), era hijo de una familia de orfebres catalanes por lo que aprendió a forjar en el taller familiar. No obstante, él quería ser pintor y con ese propósito marchó en 1900 a París, donde entra en contacto con Picasso y Gargallo. A pesar de dedicarse a la pintura en sus comienzos, sus conocimientos del metal forjado le llevan a iniciarse en la escultura.




Su fortuna crítica se ha ido engrosando espectacularmente, figura como uno de los más extraordinarios escultores, una valoración que su obra generó a pesar de tratarse de un artista “raro” y ascético con una trayectoria independiente, atípica y poco ruidosa.

Era dueño de una proverbial modestia y tenía un espectro creativo complejo, en el que se suceden la orfebrería, la pintura y la escultura.Juega entre la ornamentacion y su contrario, para desesperación de los historiadores,campo en el que maduran lentamente las realizaciones que más fama le han dado.
En su poética se juntan la ternura religiosa y la ironía angélica con un lenguaje ligado a lo esencial y una construcción distante.

Nunca hace alarde de su virtuosismo técnico, sino más bien al revés. El silencio es siempre el fondo sonoro de su obra. Sobre él aparecen discretamente las figuraciones y los temas como presencias ganadas, para su percepción, al vacío, y que vienen a coincidir con la vida más inmediata: rostros, maternidades, paisajes, toilettes, torsos, escenas de amor.

Los dibujos son muchas veces esculturas en potencia, espejos de una imaginación que piensa siempre en el espacio, que, si se fija en los planos, los intuye como recortes plásticos de un volumen o como su límite.

Sterlac

Sterlac es un artista austrialiano que trabaja basándose en el desarrollo de él como hombre y la máquina. Cree que la biotecnología será la herramienta del futuro. Indaga en el cabio de partes del cuerpo por unas mejores y más eficientes, creando una estrecha relación entre máquina y hombre y llevando las capacidades de este al límite.

Se puede apreciar en él una gran valoración por el cuerpo y sobre todo por el suyo mismo, desarrollándose como ególatra, apreciándose a sí mismo hasta el extremo (como ser supremo). Todas sus obras se fundamentan en la modificación de su propio cuerpo para así lograr una especie de ser perfecto .



Realiza performances en grupo en las cuales él mismo es el protagonista, llamando la atención con modificaciones sobre su propio cuerpo como si de un lienzo se tratara..
Así su trabajo suele ser presentado in situ, registrándose en fotografías, videos y maquetas, que se adjuntan al desarrollo de su obra.

También experimenta con la cirugía y el aspecto médico. En una de sus obras se implanta una oreja en su brazo, realizada en un laboratorio con cartílago humano ,a la cual, además, se le implementó un micrófono. Esta idea un tanto polémica se amplía con su intención de implantar un dispositivo que permita que lo que el micrófono reciba sea escuchado por sus seguidores a través de internet.
Aunque refleja frialdad y vacío, consigue una reacción de impacto en el espectador, ya sea mediante el desagrado o el asombro.


Con su inquietud por la tecnología, a través de sus estudios desarrolla grandes máquinas o pequeñas situaciones que desconciertan al espectador.
“El cuerpo es una arquitectura en evolución que opera y esta atenta al mundo, altera su arquitectura es ajustarse a su conciencia, el cuerpo siempre a sido un cuerpo protético, aumentando por sus instrumentos y maquinas”



Sterlac admira la perfección del ser humano pero también el hecho de poder mejorarlo y modificarlo.
Cree que por efectos naturales el cuerpo se modifica, evoluciona, pero que también se puede modificar por la intervención del ser humano. Con él se revela la revolución de las trasplantación de prótesis en humanos, de la cual habla Virilio(1992-1996). Después de haber colonizado la naturaleza ahora se debe colonizar la propia corporalidad a través de las tecnologías. Para que el cuerpo funcione siempre es necesario que se confunda con las máquinas. Se deben retirar todas sus vísceras inútiles para que sea un mejor receptáculo para las nuevas tecnologías.



Structure/substance (1990)
Interconectado a varios objetos técnicos,sterlac actua como elemento de paso eléctrico entre una y otra máquina.Su cuerpo,una resistencia,sobrevive,reaccionando a las correintes eléctricas.La máquina le da choques debido a los cuales su cuerpo se mueve.Sus movimientos,a su vez,van a pasar de forma involuntaria a través de el para pasar a otra máquina.Él és propiamente una máquina.

El profeta de la dictadura del arte.

Jonathan Meese se dio a conocer internacionalmente gracias a la primera Bienal de Berlín en 1998, en la que se reunieron distintos artistas bajo la denominación de “nuevo activismo”, que recuperaba la tradición transgresora de las corrientes alemanas contemporáneas y del accionismo vienés.

Aunque nacido en Tokio en 1970,es considerado uno de los nuevos valores del arte alemán teniendo en el expresionismo una de sus fuentes de inspiración, siendo aún así alguien difícil de encuadernar en una determinada corriente artística.



Este podría ser uno de esos artistas raros, que para bien o para mal vive de en su propia realidad. Podríamos definirlo como una especie de profeta que anuncia la llegada de una nueva dictadura del arte. A su juicio, el arte existía antes de la humanidad y seguirá perdurando después de las personas, por lo que la dictadura de la que hace bandera consiste en amor.


"El arte -dice- es el único partido del futuro. Los hombres y mujeres políticos deben irse. Lo han hecho mal y han fracasado. Sin rituales, lo que toca es sólo jugar y que llegue la revolución del arte, es lo único que podemos hacer por ahora".
“Provocará un cambio de paradigmas porque llegaremos a un punto cero y empezaremos de nuevo",afirmo también en una rueda de prensa

En cada una de sus exposiciones, Jonathan Meese lee un manifiesto irrumpiendo ante el publico con su peculiar apariencia:pelo largo, barba, ropa negra y gafas, dejado siempre la duda de si se trata de una exageración de sí mismo o de una interpretación incesante de ese personaje que el mismo ha creado.

La pretensión del artista es poner en duda y fomentar la reflexión sobre el arte y sus actores o sobre lo que él mismo califica como “dictadura del arte”, en la que el poder no recae en el creador ni en el museo, sino en el arte como ente autónomo..

La obsesión, el caos, el desconcierto, la decadencia, el desencanto de la religión… son algunos de los planteamientos a través de los cuales el artista cuestiona la realidad, recurriendo a alusiones figurativas de personajes históricos alemanes como Wagner o Hitler, actores y actrices de Hollywood, cómics o películas de terror.
Lleva hasta límites insospechados su resistencia psíquica, plasmando en sus obras los horrores de la guerra, el descontento social y, en definitiva, la historia del arte germánico. En sus trabajos, repite de manera casi obsesiva determinados temas y motivos, que producen entre público y crítica un primer rechazo, desasosiego y controversia.

En un acto de posesión casi demoníaca, asume distintas actitudes para llevarlas al terreno de lo grotesco y lo ridículo; gracias al uso del autorretrato como elemento esencial de su creación adopta múltiples personalidades.

Sus pinturas de gran formato, realizadas con gran resolución y poder, son resueltas muy rápidamente: la forma en que se contemplan es como han sido concebidas por el artista.


Su obra se mueve entre los extremos del victimismo y la heroicidad. De manera contradictoria, este pesimismo radical que le caracteriza le proporciona un punto positivo de orientación en el presente. La concepción del arte como única vía de “salvación”, la búsqueda incansable de la complicidad con el espectador para hacerle partícipe del caos y el desastre que precede a una nueva era.
Fernando Francés , director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ,reflexiona así sobre el artista tras su esposicion individual en el centro: “Jonathan Meese explora en su trabajo barroco y apabullante, en ocasiones exagerado y estridente, la función del arte, de la política y de los sistemas ideológicos, pero también del sexo y de la basura, de la belleza y de la escatología. Planteamientos que le gusta escribir en manifiestos de poética visual y pictórica, en collages de ideas acumuladas. Meese forma parte de un excéntrico y complejo mundo imaginario que hace posible que sus ideas se multipliquen en cada proyecto hasta límites insospechados”.



Dentro de toda esa creación interpretativa, con personajes, escritos y teorías, es evidente un una ruptura con lo social a la vez que una intención de manifestar su inconformidad con el sistema, con la política y con la sociedad.
Aunque no trate temas existenciales ni psicológicos se enfrenta a la pintura desde una perspectiva expresionista y totalmente personal y gestual.
Lo que pretende transmitir con su obra y con sus escritos,con sus manifiestos,etc, forma parte de esa creencia intima que el artista mismo ha creado.

Bio-MECHANICAL

El mundo de Giger es un mundo de paranoia, de abstraccion en uno mismo y tambien de como un echo como el suicidio de su mujer te puede marcar para siempre, un universo propio solo conprensible por el mismo. Solo en l amente de una persona de estas caracteristicas se puede llegar a imaginar todos sus simbolos y mundos.
Giger es conocido por su trabajo en la película Alien (Ridley Scott, 1979), su obra ha pasado desapercibida para los historiadores de arte y el de las facultades, donde solo se enseña lo academicamente "no correcto". Pero sin embargo se ha erigido en uno de los artistas más influyentes en las últimas décadas. Se trata de un creador polifacético, dibujante, pintor, escultor, diseñador, cuya obra abarca más de 40 años. Giger ha desarrollado un estilo propio e inconfundible, acuñado por él mismo como biomecánico, en el que sintetiza formas de origen natural (biológico) y artificial (mecánico).

Entre los temas más significativos que ha desarrollado, destacan la conexión nacimiento-vida-muerte, la enfermedad, la superpoblación, la figura del monstruo y la magia. Su arte se relaciona con el simbolismo y con el surrealismo, de hecho es un gran admirador de Dalí.

Me gusta más respirar que trabajar.

" P.C- Cuando era joven ¿ No experimentó el deseo de tener una cultura artística?

M.D-Tal vez, pero era un deseo muy mediocre. Me hubiera gustado trabajar, pero había en mí un fondo enorme de pereza. Me gusta más vivir y respirar que trabajar. No considero que el trabajo que he realizado pueda tener en el futuro ninguna importancia desde el punto de vista social. Así pues, si usted quiere, mi arte consistirá en vivir; cada segundo, cada respiración es una obra que no está inscrita en ninguna parte, que no es ni visual ni cerebral, pero sin embargo existe. Es una especie de constante euforia."

"Conversaciones con Marcel Duchamp" por Pierre Cabanne.

En pro de la autonomía del arte.

" Cualquier creación artística es hija de su tiempo, y la mayoría de las veces, madre de nuestros sentimientos (...) La eliminación de los sonidos internos que son el ser de los colores, la dispersión de las fuerzas del artista en la nada, es el arte por el arte. A través de su habilidad, fuerza inventiva y emotiva, el artista desea la recompensa material. satisfacer su ambición y su codicia, se alza como su destino final (...) El artista crea misteriosamente la verdadera obra de arte por vía mística. Separada de él, adquiere vida propia y se convierte en algo personal, un ente independiente que respira de modo individual, y que posee una vida material real."

"De lo espiritual en el arte" por Wassily Kandinsky.

El abandono de la pintura.

"P.C- Antes de entrar en detalles podríamos abordar el acontecimiento clave de su vida, o sea, el que después de unos veinticinco años de pintura aproximadamente, usted la abandona bruscamente. Me gustaría que explicara su ruptura.

M.D- Fue motivada por varias causas, en primer lugar, el roce diario con los artistas, el hecho de vivir con artistas, hablar con artistas me disgustaba profundamente. En 1912 sucedió un incidente que "me alteró la sangre" si me permite la expresión. Eso ocurrió cuando llevé mi Nu descendat un escalier a los Independants y se me pidió que lo retirara antes de la inauguración. En el grupo de personas más avanzadas de la época, algunas de ellas tenían unos extraordinarios escrúpulos y mostraban una especie terror. Personas como Gleizes, que sin embargo eran extremadamente inteligentes, encontraron que el Nu no estaba en absoluto en la línea que ellos habían trazado. Hacía dos o tres años que imperaba el cubismo y ellos tenían una línea de conducta extremadamente precisa, recta, que preveía todo lo que sucedería. Yo encontré todo eso insensato e ingenuo. Entonces eso me enfrió de tal modo que, como reacción ante semejante comportamiento proveniente de unos artistas a los que creía libres, tomé un empleo. Me convertí en bibliotecario en Sainte-Geneviève.
Hice ese gesto para desembarazarme de un cierto medio, de una cierta actitud, para tener tranquila la conciencia pero también para poder ganarme la vida. Tenía 25 años, me habían dicho que era preciso ganarse la vida y yo me lo creí. Después llegó la guerra, que lo convulsionó todo y me fui a los Estados Unidos.

Estube ocho años trabajando en Le Grand Verre , mientras, hacía otras cosas, pero ya había abandonado la tela y el bastidor. Tenía ya una especie de asco tanto por uno como por otro, no porque hubiera pintado demasiadas telas sobre bastidores, sino porque era, en mi opinión, necesariamente un medio para expresarme. El Verre me salvó debido asu transparencia.

Cuando se pinta un cuadro, incluso si es abstracto, hay siempre una especie de obligado relleno. Yo me preguntaba cual era la causa. Siempre me he preguntado muchos "porque" y de la pregunta ha suirgido la duda, la duda de todo. Llegué a dudar hasta tal extremo, que en 1923, me dije "Bueno, la cosa marcha". No lo abandoné todo en un momento, al contrario. Regresé a Francia dejando inacabado Le Grand Verre. Cuando regreséa Norteamérica habían ocurrido muchas cosas. Me casé, creo que en 1927; la vida pudo más que yo. Había trabajado ocho años en ese cosa que era intencionada, voluntariamente establecida, con planos exactos; pero a pesar de ello, no quería, y tal vez esa es la razón por la que trabajé en ella tanto tiempo, que esa obra fuera la expresión de una especie de vida interna. desgraciadamente, con el tiempo, perdí todo tipo de ardor en la ejecución; la cosa ya no me interesaba ni me concernía en absoluto. Entonces me cansé y lo dejé, pero sin ninguna dificultad; sin una decisión brusca, ni siquiera pensé en ello."




"Conversaciones con Marcel Duchamp" Por Pierre Cabanne.

Freaks de época.

Criaturas con deformaciones imposibles, retratadas con total cotidianidad por el pincel del artista.


Nos introduce en un mundo plagado de una atmósfera fantasmagórica muy inquietante, y junto a estas obras nos podemos encontrar pequeñas reseñas biográficas de cada uno de los personajes que plasma.

Valiéndose de estéticas victorianas y fotografía antigua, crea una serie de contrastes con las improvisaciones freaks, algo que nos evoca sutilmente al surrealismo.

Penumbra.

“Para mí personalmente, el arte es una forma de meditación. Mi proceso de pintura es, ante todo, sobre la duda y la creencia… Constantemente reexamino mi percepción, y dudo de lo que creo que sé, y busco cosas cuya poderosa presencia pueda sentir, pero no bastante como para entenderlas.

La mayoría de mis obras tienen cierta referencia a la guerra y la mortalidad, probablemente como resultado de la experiencia personal. Miro en el lado oscuro de la humanidad porque no puedo pretender que no lo veo, y la única manera de hacerle frente es comprenderlo mejor. Creo que mi pintura expresa algo del carácter poco fiable de nuestro sentido de seguridad, las posesiones y el conocimiento, nuestro ilimitado potencial de violencia, así como la compasión y la eterna búsqueda de la espiritualidad de algún tipo, como la esperanza o amor el incondicional.”

Su arte, ataca directamente a las emociones, unas emociones oscuras que envuelven al espectador en sensaciones complejas sobre la vida y la muerte, aunque también es un reclamo a la vida y a la belleza.

Combinación de vulnerabilidad y fuerza y su técnica nos evoca directamente a artistas clásicos como Caravaggio o Rembrandt.

Hiperrealismo XXL

Es uno de esos creadores que ha llegado al mundo del arte casi por error. Desde finales de los años setenta hasta mediados de los ochenta Mueck se dedica a la producción de efectos especiales para televisión y cine, dentro de lo que cabe mencionar su participación en el programa The Muppet Show (Los Teleñecos) y Sesame Street (Barrio Sésamo). En 1986 se traslada a Los Angeles y posteriormente a Londres, en donde realiza durante seis años anuncios publicitarios y es una década después cuando tiene su primera exposición. Desde entonces, Mueck ha ido logrado un ascenso imparable gracias a un lenguaje sólido dentro de la escultura contemporánea.


Normalmente, Mueck usa silicona y acrílico para crear sus piezas porque estos materiales permiten una alta maleabilidad, sin embargo, es importante destacar que en sus obras monumentales el dominio técnico sigue estando presente al lograr igualmente, una gran expresión de sensibilidad. De hecho, una de las cosas que más incita el trabajo de este creador es apreciar el detalle, a escrutar las arrugas, pelos y ojos de las figuras, a detenernos en una experiencia de contemplación, tal como aquella que hace muchas décadas quedó atrás para la historia del arte. Es por todo esto que el trabajo de Mueck lo convierte en uno de los grandes escultores recientes.



En general, la mayoría de gente siente una especial atracción por el hiper-realismo, si a esto le sumamos que también nos atrae lo muy grande o lo muy pequeño, encontraremos en la silicona y el acrílico de este artista todo un cúmulo de sensaciones que no dejará a nadie indiferente. Sus exposiciones suelen despertar tanto críticas como aplausos. Será que los desnudos sin adornos, tal cual, magnificados ante la visión del atónito espectador todavía despiertan malestares en según qué personas.

Vandalismo artistico

Cuando desde la calle se hace arte, pero no es constatado como tal, de ahi aparecen artistas como"Obey" trabaja como graffitero y diseñador gráfico estadounidense, famoso por sus pegatinas con la imagen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX.

Incluyendo lemas como "Piensa y crea, imprime y destruye", que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-filosóficas de los 6o, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo.

Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño gráfico y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante marcado de la discusión sobre el papel del artista y su ideología en el momento presente de la historia de las sociedades capitalistas.

Reivindica el espacio público como espacio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad, encabezada por las grandes corporaciones financieras.

Cuando el tormento es arte?

Henry Darger fue un hombre atormentado y obsesivo. Gastó su vida en escribir un libro de más de quince mil páginas ilustrado con extrañas acuarelas. A su muerte, el mundo descubrió la extraña belleza de aquella gran obra de arte.

Cuando en el mes de abril de 1973, Nathan Lerner, casero de un modesto piso del North Side de Chicago, abrió la puerta de la vivienda en la que había vivido durante 40 años su singular y recién fallecido inquilino, Henry J. Darger, se encontró con un escenario del que tardó en dar crédito: un cuarto atiborrado de recortes de periódicos, cómics, revistas, libros destripados, aparente basura y unas gigantescas acuarelas que repetían obsesivamente las imágenes de niñas desnudas con grandes alas de mariposa siendo perseguidas por soldados empuñando bayonetas de época.





En una segunda inspección, halló sepultado uno de los libros más extensos conocidos, 15.154 páginas, titulado The story of the Vivians girls, in what is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, caused by the Child Slave Rebellion, que ha sido traducido como La historia de las niñas Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la rebelión de los Niños Esclavos. Supuestamente, las grandes acuarelas, pintadas por el propio Darger, ilustraban el libro escrito en sus más de cuarenta años de reclusión. El casero, Nathan Lerner, significado fotógrafo, detectó enseguida la extraordinaria calidad de aquellos dos trabajos, y se asignó el trabajo de albacea, a pesar de que, como le había ocurrido a Max Brod con Kafka, Darger le había dejado expreso deseo de que destruyera todo lo que encontrara en el apartamento. Ningún vecino sospechó jamás la obsesión que minaba la vida de aquel solitario de patrones fijos, que buscaba en la basura, sólo hablaba de los partes meteorológicos y únicamente salía de su casa para ir a misa cinco veces al día. Hoy, su obra, una de las más importantes de lo que se ha dado en llamar el outsider art o arte marginal, es una de las joyas del American Folk Art Museum de Nueva York

Volviendo a la tierna infancia.

¿Alguien recuerda cuando era niño, esas terribles noches en vela, producidas por una película de terror vista esa misma noche, o simplemente por la sensación de que alguién o algo se esconde en el armario? Todos hemos pasado por eso, ahora nos paramos a pensar y no sabemos como afloraron esos temores y como nos atormentaron tantas horas nocturnas.


Apasionado del cine gore y terrorífico, en el cual basa su trabajo, se define el mismo como el fotógrafo del terror,y razón no le falta.
Joshua Hoffine niega la existencia de photoshop en sus trabajos ni de ningún retoque posterior, busca plasmar esas imágenes terroríficas que nos inquietan de manera muy detallada, y su realismo está basado en una buena iluminación, cuidada escenografía, y una excelente labor con el maquillaje.
Plasma los miedos ocultos que enterramos en nuestro cerebro adulto. Se pueden entrever esos miedos ancestrales que tanto nos perseguían cuando éramos unos críos (El monstruo de debajo de la cama, el payaso escalofriante de dudosas intenciones, encontrar a nuestra madre fallecida...) devolviendo a nuestra memoria todas esas noches sin dormir, escondidos debajo de la manta pensando que nos va a proteger, y dejándonos llevar por nuestros instintos más primitivos.

El escultor de acantilados.

Más conocido en la zona de Rothéneuf como "El Ermitaño".


Adolph Julien Fouéré sufrió un accidente cerebral en 1870, el cual lo dejó mudo y sordo, y por lo tanto tuvo que abandonar su labor como sacerdote.
Siempre fue un enamorado de la historia local, que se caracterizaba por los relatos de piratas, contrabandistas y ladrones. Así, a partir de la propia historia de la región, cincel y maza en mano, decidió esculpir los personajes de dichas leyendas en los acantilados de la zona, sumergiéndose en un mundo de fantasías, a medio camino entre la realidad y los mitos, dando rienda suelta a su imaginación.