Atsushi Suwa

Nacido en 1967 en Hokkaido, Atsushi Suwa trabaja alrededor del cuerpo humano, generalmente, en series que afectan a la belleza femenina, al envejecimiento humano o al deleite de las calidades de este a través de una tenue luz.
Su pintura, bastante más sometida al dibujo que al cuerpo pictórico, bebe de un aspecto arcaico, envejecido en tonos de luminosidad más que del cromatismo, de matices grises.
Se centra principalmete en la exploración del realismo como una manera de volver a examinar el origen de la pintura, y se interesó también en profundidad por los artistas y performances de Butoh (danza japonesa), Kazuo Ohono y Yoshiro Ohno, sobre lo que basa una investigación en profundidad,lo que le permite analizar al sujeto de cerca y visualizar su historia personal y su filosofía así como sus pinturas.
Sus obras reflejan quietud y silencio, horizontalidad y verticalidad, todos extremadamente matizados.

Julio Gonzalez

Julio Gonzalez(1976), era hijo de una familia de orfebres catalanes por lo que aprendió a forjar en el taller familiar. No obstante, él quería ser pintor y con ese propósito marchó en 1900 a París, donde entra en contacto con Picasso y Gargallo. A pesar de dedicarse a la pintura en sus comienzos, sus conocimientos del metal forjado le llevan a iniciarse en la escultura.




Su fortuna crítica se ha ido engrosando espectacularmente, figura como uno de los más extraordinarios escultores, una valoración que su obra generó a pesar de tratarse de un artista “raro” y ascético con una trayectoria independiente, atípica y poco ruidosa.

Era dueño de una proverbial modestia y tenía un espectro creativo complejo, en el que se suceden la orfebrería, la pintura y la escultura.Juega entre la ornamentacion y su contrario, para desesperación de los historiadores,campo en el que maduran lentamente las realizaciones que más fama le han dado.
En su poética se juntan la ternura religiosa y la ironía angélica con un lenguaje ligado a lo esencial y una construcción distante.

Nunca hace alarde de su virtuosismo técnico, sino más bien al revés. El silencio es siempre el fondo sonoro de su obra. Sobre él aparecen discretamente las figuraciones y los temas como presencias ganadas, para su percepción, al vacío, y que vienen a coincidir con la vida más inmediata: rostros, maternidades, paisajes, toilettes, torsos, escenas de amor.

Los dibujos son muchas veces esculturas en potencia, espejos de una imaginación que piensa siempre en el espacio, que, si se fija en los planos, los intuye como recortes plásticos de un volumen o como su límite.

Sterlac

Sterlac es un artista austrialiano que trabaja basándose en el desarrollo de él como hombre y la máquina. Cree que la biotecnología será la herramienta del futuro. Indaga en el cabio de partes del cuerpo por unas mejores y más eficientes, creando una estrecha relación entre máquina y hombre y llevando las capacidades de este al límite.

Se puede apreciar en él una gran valoración por el cuerpo y sobre todo por el suyo mismo, desarrollándose como ególatra, apreciándose a sí mismo hasta el extremo (como ser supremo). Todas sus obras se fundamentan en la modificación de su propio cuerpo para así lograr una especie de ser perfecto .



Realiza performances en grupo en las cuales él mismo es el protagonista, llamando la atención con modificaciones sobre su propio cuerpo como si de un lienzo se tratara..
Así su trabajo suele ser presentado in situ, registrándose en fotografías, videos y maquetas, que se adjuntan al desarrollo de su obra.

También experimenta con la cirugía y el aspecto médico. En una de sus obras se implanta una oreja en su brazo, realizada en un laboratorio con cartílago humano ,a la cual, además, se le implementó un micrófono. Esta idea un tanto polémica se amplía con su intención de implantar un dispositivo que permita que lo que el micrófono reciba sea escuchado por sus seguidores a través de internet.
Aunque refleja frialdad y vacío, consigue una reacción de impacto en el espectador, ya sea mediante el desagrado o el asombro.


Con su inquietud por la tecnología, a través de sus estudios desarrolla grandes máquinas o pequeñas situaciones que desconciertan al espectador.
“El cuerpo es una arquitectura en evolución que opera y esta atenta al mundo, altera su arquitectura es ajustarse a su conciencia, el cuerpo siempre a sido un cuerpo protético, aumentando por sus instrumentos y maquinas”



Sterlac admira la perfección del ser humano pero también el hecho de poder mejorarlo y modificarlo.
Cree que por efectos naturales el cuerpo se modifica, evoluciona, pero que también se puede modificar por la intervención del ser humano. Con él se revela la revolución de las trasplantación de prótesis en humanos, de la cual habla Virilio(1992-1996). Después de haber colonizado la naturaleza ahora se debe colonizar la propia corporalidad a través de las tecnologías. Para que el cuerpo funcione siempre es necesario que se confunda con las máquinas. Se deben retirar todas sus vísceras inútiles para que sea un mejor receptáculo para las nuevas tecnologías.



Structure/substance (1990)
Interconectado a varios objetos técnicos,sterlac actua como elemento de paso eléctrico entre una y otra máquina.Su cuerpo,una resistencia,sobrevive,reaccionando a las correintes eléctricas.La máquina le da choques debido a los cuales su cuerpo se mueve.Sus movimientos,a su vez,van a pasar de forma involuntaria a través de el para pasar a otra máquina.Él és propiamente una máquina.

El profeta de la dictadura del arte.

Jonathan Meese se dio a conocer internacionalmente gracias a la primera Bienal de Berlín en 1998, en la que se reunieron distintos artistas bajo la denominación de “nuevo activismo”, que recuperaba la tradición transgresora de las corrientes alemanas contemporáneas y del accionismo vienés.

Aunque nacido en Tokio en 1970,es considerado uno de los nuevos valores del arte alemán teniendo en el expresionismo una de sus fuentes de inspiración, siendo aún así alguien difícil de encuadernar en una determinada corriente artística.



Este podría ser uno de esos artistas raros, que para bien o para mal vive de en su propia realidad. Podríamos definirlo como una especie de profeta que anuncia la llegada de una nueva dictadura del arte. A su juicio, el arte existía antes de la humanidad y seguirá perdurando después de las personas, por lo que la dictadura de la que hace bandera consiste en amor.


"El arte -dice- es el único partido del futuro. Los hombres y mujeres políticos deben irse. Lo han hecho mal y han fracasado. Sin rituales, lo que toca es sólo jugar y que llegue la revolución del arte, es lo único que podemos hacer por ahora".
“Provocará un cambio de paradigmas porque llegaremos a un punto cero y empezaremos de nuevo",afirmo también en una rueda de prensa

En cada una de sus exposiciones, Jonathan Meese lee un manifiesto irrumpiendo ante el publico con su peculiar apariencia:pelo largo, barba, ropa negra y gafas, dejado siempre la duda de si se trata de una exageración de sí mismo o de una interpretación incesante de ese personaje que el mismo ha creado.

La pretensión del artista es poner en duda y fomentar la reflexión sobre el arte y sus actores o sobre lo que él mismo califica como “dictadura del arte”, en la que el poder no recae en el creador ni en el museo, sino en el arte como ente autónomo..

La obsesión, el caos, el desconcierto, la decadencia, el desencanto de la religión… son algunos de los planteamientos a través de los cuales el artista cuestiona la realidad, recurriendo a alusiones figurativas de personajes históricos alemanes como Wagner o Hitler, actores y actrices de Hollywood, cómics o películas de terror.
Lleva hasta límites insospechados su resistencia psíquica, plasmando en sus obras los horrores de la guerra, el descontento social y, en definitiva, la historia del arte germánico. En sus trabajos, repite de manera casi obsesiva determinados temas y motivos, que producen entre público y crítica un primer rechazo, desasosiego y controversia.

En un acto de posesión casi demoníaca, asume distintas actitudes para llevarlas al terreno de lo grotesco y lo ridículo; gracias al uso del autorretrato como elemento esencial de su creación adopta múltiples personalidades.

Sus pinturas de gran formato, realizadas con gran resolución y poder, son resueltas muy rápidamente: la forma en que se contemplan es como han sido concebidas por el artista.


Su obra se mueve entre los extremos del victimismo y la heroicidad. De manera contradictoria, este pesimismo radical que le caracteriza le proporciona un punto positivo de orientación en el presente. La concepción del arte como única vía de “salvación”, la búsqueda incansable de la complicidad con el espectador para hacerle partícipe del caos y el desastre que precede a una nueva era.
Fernando Francés , director del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ,reflexiona así sobre el artista tras su esposicion individual en el centro: “Jonathan Meese explora en su trabajo barroco y apabullante, en ocasiones exagerado y estridente, la función del arte, de la política y de los sistemas ideológicos, pero también del sexo y de la basura, de la belleza y de la escatología. Planteamientos que le gusta escribir en manifiestos de poética visual y pictórica, en collages de ideas acumuladas. Meese forma parte de un excéntrico y complejo mundo imaginario que hace posible que sus ideas se multipliquen en cada proyecto hasta límites insospechados”.



Dentro de toda esa creación interpretativa, con personajes, escritos y teorías, es evidente un una ruptura con lo social a la vez que una intención de manifestar su inconformidad con el sistema, con la política y con la sociedad.
Aunque no trate temas existenciales ni psicológicos se enfrenta a la pintura desde una perspectiva expresionista y totalmente personal y gestual.
Lo que pretende transmitir con su obra y con sus escritos,con sus manifiestos,etc, forma parte de esa creencia intima que el artista mismo ha creado.

Bio-MECHANICAL

El mundo de Giger es un mundo de paranoia, de abstraccion en uno mismo y tambien de como un echo como el suicidio de su mujer te puede marcar para siempre, un universo propio solo conprensible por el mismo. Solo en l amente de una persona de estas caracteristicas se puede llegar a imaginar todos sus simbolos y mundos.
Giger es conocido por su trabajo en la película Alien (Ridley Scott, 1979), su obra ha pasado desapercibida para los historiadores de arte y el de las facultades, donde solo se enseña lo academicamente "no correcto". Pero sin embargo se ha erigido en uno de los artistas más influyentes en las últimas décadas. Se trata de un creador polifacético, dibujante, pintor, escultor, diseñador, cuya obra abarca más de 40 años. Giger ha desarrollado un estilo propio e inconfundible, acuñado por él mismo como biomecánico, en el que sintetiza formas de origen natural (biológico) y artificial (mecánico).

Entre los temas más significativos que ha desarrollado, destacan la conexión nacimiento-vida-muerte, la enfermedad, la superpoblación, la figura del monstruo y la magia. Su arte se relaciona con el simbolismo y con el surrealismo, de hecho es un gran admirador de Dalí.

Me gusta más respirar que trabajar.

" P.C- Cuando era joven ¿ No experimentó el deseo de tener una cultura artística?

M.D-Tal vez, pero era un deseo muy mediocre. Me hubiera gustado trabajar, pero había en mí un fondo enorme de pereza. Me gusta más vivir y respirar que trabajar. No considero que el trabajo que he realizado pueda tener en el futuro ninguna importancia desde el punto de vista social. Así pues, si usted quiere, mi arte consistirá en vivir; cada segundo, cada respiración es una obra que no está inscrita en ninguna parte, que no es ni visual ni cerebral, pero sin embargo existe. Es una especie de constante euforia."

"Conversaciones con Marcel Duchamp" por Pierre Cabanne.

En pro de la autonomía del arte.

" Cualquier creación artística es hija de su tiempo, y la mayoría de las veces, madre de nuestros sentimientos (...) La eliminación de los sonidos internos que son el ser de los colores, la dispersión de las fuerzas del artista en la nada, es el arte por el arte. A través de su habilidad, fuerza inventiva y emotiva, el artista desea la recompensa material. satisfacer su ambición y su codicia, se alza como su destino final (...) El artista crea misteriosamente la verdadera obra de arte por vía mística. Separada de él, adquiere vida propia y se convierte en algo personal, un ente independiente que respira de modo individual, y que posee una vida material real."

"De lo espiritual en el arte" por Wassily Kandinsky.