Hiperrealismo XXL

Es uno de esos creadores que ha llegado al mundo del arte casi por error. Desde finales de los años setenta hasta mediados de los ochenta Mueck se dedica a la producción de efectos especiales para televisión y cine, dentro de lo que cabe mencionar su participación en el programa The Muppet Show (Los Teleñecos) y Sesame Street (Barrio Sésamo). En 1986 se traslada a Los Angeles y posteriormente a Londres, en donde realiza durante seis años anuncios publicitarios y es una década después cuando tiene su primera exposición. Desde entonces, Mueck ha ido logrado un ascenso imparable gracias a un lenguaje sólido dentro de la escultura contemporánea.


Normalmente, Mueck usa silicona y acrílico para crear sus piezas porque estos materiales permiten una alta maleabilidad, sin embargo, es importante destacar que en sus obras monumentales el dominio técnico sigue estando presente al lograr igualmente, una gran expresión de sensibilidad. De hecho, una de las cosas que más incita el trabajo de este creador es apreciar el detalle, a escrutar las arrugas, pelos y ojos de las figuras, a detenernos en una experiencia de contemplación, tal como aquella que hace muchas décadas quedó atrás para la historia del arte. Es por todo esto que el trabajo de Mueck lo convierte en uno de los grandes escultores recientes.



En general, la mayoría de gente siente una especial atracción por el hiper-realismo, si a esto le sumamos que también nos atrae lo muy grande o lo muy pequeño, encontraremos en la silicona y el acrílico de este artista todo un cúmulo de sensaciones que no dejará a nadie indiferente. Sus exposiciones suelen despertar tanto críticas como aplausos. Será que los desnudos sin adornos, tal cual, magnificados ante la visión del atónito espectador todavía despiertan malestares en según qué personas.

Vandalismo artistico

Cuando desde la calle se hace arte, pero no es constatado como tal, de ahi aparecen artistas como"Obey" trabaja como graffitero y diseñador gráfico estadounidense, famoso por sus pegatinas con la imagen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX.

Incluyendo lemas como "Piensa y crea, imprime y destruye", que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-filosóficas de los 6o, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo.

Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño gráfico y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante marcado de la discusión sobre el papel del artista y su ideología en el momento presente de la historia de las sociedades capitalistas.

Reivindica el espacio público como espacio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad, encabezada por las grandes corporaciones financieras.

Cuando el tormento es arte?

Henry Darger fue un hombre atormentado y obsesivo. Gastó su vida en escribir un libro de más de quince mil páginas ilustrado con extrañas acuarelas. A su muerte, el mundo descubrió la extraña belleza de aquella gran obra de arte.

Cuando en el mes de abril de 1973, Nathan Lerner, casero de un modesto piso del North Side de Chicago, abrió la puerta de la vivienda en la que había vivido durante 40 años su singular y recién fallecido inquilino, Henry J. Darger, se encontró con un escenario del que tardó en dar crédito: un cuarto atiborrado de recortes de periódicos, cómics, revistas, libros destripados, aparente basura y unas gigantescas acuarelas que repetían obsesivamente las imágenes de niñas desnudas con grandes alas de mariposa siendo perseguidas por soldados empuñando bayonetas de época.





En una segunda inspección, halló sepultado uno de los libros más extensos conocidos, 15.154 páginas, titulado The story of the Vivians girls, in what is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, caused by the Child Slave Rebellion, que ha sido traducido como La historia de las niñas Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la rebelión de los Niños Esclavos. Supuestamente, las grandes acuarelas, pintadas por el propio Darger, ilustraban el libro escrito en sus más de cuarenta años de reclusión. El casero, Nathan Lerner, significado fotógrafo, detectó enseguida la extraordinaria calidad de aquellos dos trabajos, y se asignó el trabajo de albacea, a pesar de que, como le había ocurrido a Max Brod con Kafka, Darger le había dejado expreso deseo de que destruyera todo lo que encontrara en el apartamento. Ningún vecino sospechó jamás la obsesión que minaba la vida de aquel solitario de patrones fijos, que buscaba en la basura, sólo hablaba de los partes meteorológicos y únicamente salía de su casa para ir a misa cinco veces al día. Hoy, su obra, una de las más importantes de lo que se ha dado en llamar el outsider art o arte marginal, es una de las joyas del American Folk Art Museum de Nueva York

Volviendo a la tierna infancia.

¿Alguien recuerda cuando era niño, esas terribles noches en vela, producidas por una película de terror vista esa misma noche, o simplemente por la sensación de que alguién o algo se esconde en el armario? Todos hemos pasado por eso, ahora nos paramos a pensar y no sabemos como afloraron esos temores y como nos atormentaron tantas horas nocturnas.


Apasionado del cine gore y terrorífico, en el cual basa su trabajo, se define el mismo como el fotógrafo del terror,y razón no le falta.
Joshua Hoffine niega la existencia de photoshop en sus trabajos ni de ningún retoque posterior, busca plasmar esas imágenes terroríficas que nos inquietan de manera muy detallada, y su realismo está basado en una buena iluminación, cuidada escenografía, y una excelente labor con el maquillaje.
Plasma los miedos ocultos que enterramos en nuestro cerebro adulto. Se pueden entrever esos miedos ancestrales que tanto nos perseguían cuando éramos unos críos (El monstruo de debajo de la cama, el payaso escalofriante de dudosas intenciones, encontrar a nuestra madre fallecida...) devolviendo a nuestra memoria todas esas noches sin dormir, escondidos debajo de la manta pensando que nos va a proteger, y dejándonos llevar por nuestros instintos más primitivos.

El escultor de acantilados.

Más conocido en la zona de Rothéneuf como "El Ermitaño".


Adolph Julien Fouéré sufrió un accidente cerebral en 1870, el cual lo dejó mudo y sordo, y por lo tanto tuvo que abandonar su labor como sacerdote.
Siempre fue un enamorado de la historia local, que se caracterizaba por los relatos de piratas, contrabandistas y ladrones. Así, a partir de la propia historia de la región, cincel y maza en mano, decidió esculpir los personajes de dichas leyendas en los acantilados de la zona, sumergiéndose en un mundo de fantasías, a medio camino entre la realidad y los mitos, dando rienda suelta a su imaginación.

El surrealismo de Yuka.

Nacida en Kobe, Japón, una artista poco convencional. Autodidacta y residente en Canadá, crea un blog para dar a conocer sus trabajos, creando un universo surrealista donde el colorido de la forma contrasta con la oscuridad del contenido, donde lo infantil se mezcla con lo grotesco.



Fue una dibujante precoz, ya que comenzó con tan solo tres años de edad.
Su obra se hizo muy popular, pero ella nunca estubo realmente interesada en estudiar arte.




¿Crees que las cosas que son reales y las cosas que son irreales no están separadas? Si es así; ¿Cómo crees que se relacionan?


Yuka. Para mí las cosas irreales son creadas en una realidad; mi realidad. Lo que dibujo está profundamente conectado a como me siento en ese momento. Mis imágenes son representaciones de mis ideas y emociones, captadas por lápices de color. Así es como expreso mi realidad.


¿Cómo crees que los animales están conectados con los humanos?

Yuka. Los humanos están conectados con los animales, no al revés. Nuestro comportamiento es bastante animal.
Tengo un hijo de dos años. Disfrute su primer año no-verbal – estaba muy atenta en el contacto con la mirada, los olores, el tacto, etc. Cuando estaba acurrucándome con él, me sentía como un oso.

(Me fascinan las cosas sensoriales, por ejemplo; recuerdo algún olor en particular de mi niñez, cada vez que me encuentro con ese olor, me lleva a ese momento en particular)

¿De qué manera crees que tu hijo influencio tu trabajo?

Yuka. Usaba colores muy vivos cuando estaba embarazada. Antes de eso, regularmente prefería usar colores más pálidos.

Dibuje new harbeat justo después de haber de haber escuchado por primera vez el latido de corazón de mi bebe a través del ultrasonido. Use colores muy vivos para el dibujo; (pero) después de dar a luz, continúe usando tanto colores vivos como pálidos.
Pasar tiempo con mi hijo, y verlo crecer cada día, ha tenido un fuerte impacto en mí. A veces, casi se me olvida que estoy ahí. Siempre lo estaba observando. No lo pierdo de vista, pero mis ojos siempre estaban viendo hacia afuera y nunca hacia adentro por estos dos últimos años. Hasta cierto punto, creo que olvidé como me veía.

En retrospectiva, estaba dibujando una niña con un gran corazón encima y eventualmente el corazón escapo y creció un gran árbol sin hojas durante todo ese tiempo. Eventualmente my cabeza creció de nuevo pero hasta ahora parece no tener cuerpo.

Normalmente; ¿Cuál tipo de sentimiento te inspira más; los “buenos sentimientos” o los “malos”?

Yuka. La frustración con injusticia o deshonestidad me ayudan mucho. Visualizo las cosas simultáneamente sin importar qué, pero cuando estoy enojada las imágenes fluyen. Asi que para contestar tu pregunta, ambos; “buenos” y “malos”.

¿Qué es Arte para ti?

Yuka. Aun me siento incómoda describiendo lo que yo hago como Arte, o llamarme a mi misma una Artista. Dibujar me hace feliz.

¿Podrías describir una de tus mayores fantasías?

Yuka. Quisiera ser una fea mujer invisible voladora, que se preocupa por su apariencia aun cuando nadie pueda verla.

¿Utilizas tu arte como un escudo o como un arma? ¿Por qué?


Yuka. Más bien como una red de pescar. No uso mis dibujos para mandar un mensaje o aliviar mis sentimientos. Seguido me doy cuenta de lo que está en mi mente antes del mismo hecho. Me sorprende lo que puedo terminar dibujando.


¿En qué museo o galería te gustaría exponer tu trabajo?

Yuka. En ninguna, en realidad. Últimamente, no estoy muy interesada en exhibir mi trabajo en una galería. Me gusta el acto de dibujar, no de enseñar lo que dibujo. Ni si quiera yo veo mis dibujos después de terminarlos. No los tengo exhibidos ni en mi casa. Están guardados en el closet o en algún archivero. No estoy interesada en ver mis dibujos para nada.

Uso mi blog para llevar un orden de lo que dibujo. Eso es suficiente para mí. Para mí; dibujar es algo interno.

¿Qué consejo le puedes dar a los artistas emergentes?

Yuka. No escuchen lo que otra gente les diga – escúchense a sí mismos. Hacerse el sordo puede ser un buen comienzo.

Universo macabro.

Su creación, a medio camino entre lo ingenuo y lo perverso, ha pegado fuerte en el mundo del arte. Desde niño ya creaba desconcierto entre los que lo rodeaban, al ver los autorretratos con tres ojos o animales con las vísceras por fuera.




Gracias a que su familia lo apoyó, el pequeño Ryden no sucumbió a la "normalidad" establecida, y al mismo tiempo disfrutaba de la reacción obtenida con sus pinturas.
Desde entonces, este genio continúa creando universos extraños y perturbadores, plagados de misterio e iconografía perversa.
Agarra el mismo universo de los surrealistas, entusiasmado por el inconsciente colectivo e individual, pero lo dota de una imaginería deliberadamente cargada de connotaciones culturales actuales.

Entrevista a Mark Ryden, sobre el diseño de la carátula de Dangerous:

¿Puede darle a los fans un poco de información sobre ti? En sus propias palabras, ¿Quién es Mark Ryden?

M.R: Hay una biografía y una declaración del artista en mi sitio web que casi dice lo que soy, pero creo que yo diría que soy sólo un chico que le gusta la pintura. Siempre me ha gustado pintar y nunca se cuestionó si eso es lo que yo haría con mi vida. Me gusta coleccionar cosas (juguetes, cosas de médico, libros para niños, figuritas, Knick-knacs, papel efímero, etc)


Sí, he leído su Declaración del artista, y lo encuentro muy interesante e inspirador. Me di cuenta sobre una llama para el mundo mágico y místico. En tu declaración hablas sobre un mono mágico que hace tu trabajo y luego hablas de las inspiraciones que vienen de tu colección o de jugar con tu hijo. ¿Encuentras en la inocencia de la mente del niño una inspiración para tu trabajo?

M.R: Los niños son tan creativos. Por lo general, no tienen todos los bloqueos, las inseguridades, y otros problemas que pueden obstaculizar el proceso creativo.

¿Cuál diría usted que fue tu mayor influencia para convertirte en un artista?

M.R: Para convertirme en un artista yo realmente se utilizo mi propio instinto, pero como un artista que tengo muchas muchas influencias. Estoy muy influenciado por el arte clásico.Amo a David e Ingres. También espero un poco del imaginario de la cultura pop contemporánea.

Pero, sin embargo, tus pinturas se destacan de todos ellos. Tú pintas ojos que son cautivadoras y sus imágenes se pueden mantener a una persona en trance tratando de captar la sensación de todo lo que has pintado. He visto que has pintado a Jimi Hendrix y Leonardo DiCaprio. ¿Has considerado pintar a Michael?

M.R: Parece que tenemos muchos mismos intereses. Tener esa conexión puede ser una buena base para un retrato.

¿Cuándo descubriste por primera vez que eras un artista?

M.R: Tuve un gran apoyo para mi arte de mi familia y me decían que era un artista desde una edad muy joven.

¿Cómo fue el proceso para que fueras elegido como creador de la portada del disco ‘Dangerous’? ¿Conocías a Michael antes de este trabajo?

M.R: Había trabajado antes con la Directora de Arte en Sony Music (Nancy Donald) en muchos otros proyectos y cuando le encargaron el proyecto de Michael Jackson pensó en mí. Le enseñaron a Michael una carpeta con mis trabajos y le gustaron mucho. Entonces yo me reuní con él en su estudio donde pude escuchar un poco de su nueva música y hablamos de la idea. Desde entonces tuve como una semana para crear algunas ideas. Hice 5 dibujos a lápiz muy elaborados y se los enseñaron a Michael. Sólo uno fue elegido por todo el mundo incluido Michael y este es el que pinté.

¿Entonces hubo 5 preportadas para Dangerous? ¿Puedes decirnos cómo eran las otras?

M.R: Todas ellas tenían el mismo estilo en general que la que hice. Un concepto era más como un póster de circo con un esqueleto saltando en la tripa de un payaso. Otro boceto estaba más enfocado en la chica que está de pié en la mano que sostiene una calavera que aparece en la versión final. Una idea era similar a la elección final excepto que toda la escena estaba de día, al aire libre y los ojos de Michael flotaban entre las nubes sobre Bubbles que estaba de pie sobre una pila de animales.

‘Dangerous’ es sin duda alguna uno de los trabajos más impresionantes en cuanto a la carátula del álbum. ¿Cuanto tiempo tardaste en completar el proyecto, desde el comienzo hasta el final?

M.R: Fue de lejos mi trabajo más ambicioso. El original era muy grande (para mi), tres pies cuadrados. Me llevó muchos meses acabar el proyecto incluyendo bocetos y todo.

¿Dirías que este es uno de tus trabajos más ambiciosos porque era para Michael, el hombre que dices que está abrumado con el perfeccionismo y tratando de superar su propio éxito? ¿Te pasó lo mismo a ti?

M.R:Yo también intenté sobreponerme a mi propio perfeccionismo.

Si tuvieras que ponerle nombre a este dibujo, ¿Cómo lo llamarías?

M.R: Hummmmmmmm. Tendría que pensar en ello. Normalmente tengo que estar mucho tiempo pensando los títulos de mis dibujos.

¿Puede decirnos que representa el dibujo y sus diferentes simbolos? Por ejemplo: ¿Quién es el hombre del traje y por qué tiene el 1998? ¿Qué representa el ‘parque de atracciones’? ¿Quien es el Jefe de Pista sobre el hombre del traje y por qué tiene un 7 en el sombrero? ¿Quién está representado por un busto mitad blanco y mitad negro, y qué significa? ¿Qué pasa con los animales? ¿Porqué hay un perro y un pájaro representados como un rey y una reina? ¿Qué representa la MJ en la corona del perro? ¿Qué hace el “Nacimiento de Venus” en este dibujo?

M.R: Bueno, esas son preguntas que estoy seguro que estás ansioso de conocer su explicación. Creo si un dibujo es explicado, pierde algo para el que lo observa. Me gusta el sentimiento de misterio sobre el simbolismo y no quiero que se pierda. Es una parte importante de la imagen para mí. Yo estoy más interesado en cómo lo interpreta el resto de la gente por sí mismos.